ASOCIACIÓN PRO MÚSICA

AMADEO L. SALA

REPORTAJES

 

Louis Amstrong

“La Sonrisa, el sudor y el pañuelo"
Louis Daniel Armstrong nació el 4 de agosto de 1901, en el seno de una familia muy humilde y en uno de los barrios marginales de Nueva Orleans. La miseria se agudizó cuando su padre, William Armstrong los abandonó siendo Louis un niño, pasando su juventud en un difícil vecindario de las afueras de la ciudad.

Aprendió a tocar la corneta en la banda de la Nueva Orleans Home forColored Waifs, un reformatorio para niños de color abandonados, donde había sido enviado en varias ocasiones por delitos menores, como el haber disparado al aire durante una Nochevieja. Allí, aconsejado por el director del reformatorio, Joseph Jones, y el profesor Peter Davis, optó por la trompeta entre otros instrumentos.

En 1914, tras su salida del reformatorio, trabajó como vendedor de carbón, repartidor de leche, estibador de barcos bananeros y otros empleos del mismo tipo. Empezó también a trabajar en los cabarets de Storyville, donde estaban concentrados todos los locales nocturnos de la ciudad; allí conoce al trompetista Joe King Oliver, quien fue su mentor y casi una figura paternal para él.

No existían antecedentes musicales en su familia, por lo que su interés por este arte surgió a partir de la escucha de las célebres bandas de Nueva Orleans que desfilaban habitualmente por las avenidas de la ciudad, aprendiendo de Bunk Johnson, Buddy Petit y, sobre todo, de Joe King Oliver.

Ella Fitzgerald, Louis Armstrong y Edward Kennedy “ Duke” Ellington

Entre 1918 y 1919, ya con una bien ganada reputación como trompetista, fue contratado por el director de orquesta Kid Ory, gracias a una recomendación de Joe King Oliver, que había dejado el puesto de trompetista.

Louis llegó a tocar en algunas de las orquestas de Nueva Orleans, incluyendo aquellas que viajaban por los ríos, como por ejemplo la renombrada orquesta de Fate Marable, que realizaba una gira en un buque de vapor a lo largo de todo el Misisipi.

El propio Armstrong describiría esa época con Marable como «su estancia en la universidad», ya que le proporcionó una enorme experiencia en el trabajo con arreglos musicales. Cuando Joe Oliver abandonó la ciudad en 1919, Armstrong ocupó el lugar de Oliver en la banda de Kid Ory, por entonces el grupo de swing más importante de la ciudad.

Aunque en el arranque de su carrera cimentó su fama sobre todo como trompetista, más adelante sería su condición de vocalista la que le consagraría como una figura internacionalmente reconocida, y de enorme influencia para el canto jazzístico.

Los logros de Armstrong, “Satchmo”, escapan a lo meramente artístico o personal, pues se convirtieron en símbolo de la creatividad del negro americano.

Armstrong, Barbra Streisand y Gene Kelly

Armstrong tuvo trabajo hasta pocos años antes de su muerte y, aunque en ocasiones en sus últimos años se inclinase hacia algunas interpretaciones triviales, en otras era capaz de demostrar un todavía asombroso dominio de la técnica y de la intuición musical que dejaba perpleja a su propia banda.


Bing Crosby y Louis Armstrong

Ambas referencias tienen que ver con la forma en que embocaba su trompeta mientras tocaba. La situaba sobre sus labios de tal forma que tras muchas horas de interpretación, surgía en su labio superior una hendidura, de ahí el término «Dippermouth». Esta hendidura se puede observar en muchos retratos de Louis de ese periodo y tuvo que ver con la orientación de su carrera hacia el canto debido a que le llegó a suponer una traba a la hora de tocar la trompeta.

Armstrong y Danny Kaye

En cualquier caso, tras un periodo en que no la tocó, enmendó su forma de tocar el instrumento y continuó con su carrera instrumental. Los amigos y algunos músicos cercanos le llamaban también Pops, que es como Armstrong se dirigía normalmente a ellos (excepto a Pops Foster, a quien siempre llamaba «George»).

El apodo «Satchmo» y la cálida personalidad sureña de Armstrong, combinados con su apego natural al espectáculo y a la búsqueda de una respuesta en el público, condujeron a la creación de un personaje público -la sonrisa, el sudor, el pañuelo- que terminó por ser al final de su carrera un tanto afectado y, según muchos, casi una caricatura racista de sí mismo.

Fue también criticado por aceptar el título de «King of The Zulus» (en la comunidad afroamericana de Nueva Orleans, un título honorífico para el jefe del carnaval negro Krewe, pero desconcertante y ofensivo para los foráneos por su vestido tradicional de falda verde y maquillaje de negro intentando satirizar las actitudes sureñas blancas) en el Mardi Grass (una celebración del carnaval) de 1949.

Joey Adans y Louis Armstrong en el Carnegie Hall

La aparente insensibilidad racial de Armstrong al aceptar el título y el disfraz de King ofthe Zulus han sido vistos en ocasiones como parte de un defecto mayor de Armstrong: donde algunos vieron una personalidad gregaria e introvertida, otros veían a alguien que se esforzaba por atraer al público blanco aun a costa de convertirse en una caricatura de artista.

Algunos músicos criticaron también a Armstrong por tocar ante audiencias segregadas y por no tomar una postura clara en el movimiento por los derechos civiles, sugiriendo que era un Uncle Tom. Billie Holiday por su parte siempre le disculpaba subrayando en él su gran corazón.

Armstrong y Billie Holiday

Con todo, Louis Armstrong fue un apoyo financiero muy importante para el Dr. Martin Luther King Jr. y para otros activistas por los derechos civiles, aunque siempre prefiriese trabajar en esos asuntos de forma muy discreta, sin mezclar sus ideas políticas con su trabajo como artista.

Las pocas excepciones en que no cumplió esta norma se convirtieron entonces en muy efectivas: la crítica de Armstrong al presidente Eisenhower, llamándole «two-faced» (con dos caras) y «cobarde» debido a su inacción durante el conflicto de la segregación racial escolar en Little Rock, Arkansas, fue noticia nacional en 1957. También protestó cancelando una gira por la Unión Soviética en nombre del Departamento de Estado diciendo que «por la forma en que están tratando a mi gente en el sur, el gobierno podría ir al infierno» y que él no podía representar a su gobierno fuera del país cuando estaba manteniendo un conflicto con su propio pueblo.

Fue alguien especialmente generoso, hasta el punto de decirse de él que había gastado tanto dinero en los demás como en sí mismo.

Ella Fitzgerald y Louis Armstrong

Por otra parte, Armstrong estuvo constantemente preocupado por su salud y por sus funciones corporales. Utilizó con frecuencia laxantes como forma de controlar su peso, una práctica que le llevó a fomentarla públicamente aportando su experiencia y opiniones en el libro Lose Weight the Satchmo Way. El laxante favorito de Armstrong en su juventud era Pluto Water, pero posteriormente se hizo un entusiasta del remedio natural Swiss Kriss, que también publicitó siempre que se le quiso oír.

Louis Armstrong, murió en Lousiana el 6 de Julio de 1971 a la edad de 69 años.

Se trata de una de las figuras más carismáticas e innovadoras de la historia del jazz y, probablemente, su músico más popular. Gracias a sus habilidades musicales y a su brillante personalidad, transformó el jazz desde su condición inicial de música de baile con raíces folclóricas, en una forma de arte popular.

 

Ignacio López Sala

Fryderyk Franciszek Chopin

 Zelazowa Wola 1810- París 1849

Chopin  nació el 22 de febrero de 1810 en Zelazowa Wola, ciudad muy próxima a Varsovia, de padre francés y madre polaca. A los ocho años tocaba el piano con maestría y compuso sus primeras polonesas.  Improvisaba y componía con soltura dando su primer concierto público el 24 de febrero de 1818 en el palacio de la familia Radziwill de Varsovia, donde tocó el Concierto en mi menor de Vojtech Jirovec.
A los 16 años iniciaba sus estudios de música, primero con Joseph Elsner y a partir de 1826 en el conservatorio de Varsovia. Se le considera como el mayor compositor polaco, y un gran pianista.

Monumento a Frédéric Chopin en Varsovia

Le gustaba asistir a los salones de la aristocracia y tocar para ellos. Durante la estancia del Zar Alejandro en Varsovia en abril de 1825, fue invitado para exhibir un nuevo tipo de piano-órgano, denominado Eolomelodicón, diseñado por un profesor de mecánica polaco. En agradecimiento, el Zar le regaló un anillo de diamantes.

Monumento a Chopin

Después de realizar algunos conciertos en Viena y Berlín, en 1830 se trasladó a  París ganándose  la vida inicialmente dando clases, y ofreciendo conciertos para la sociedad parisina. Entabló una estrecha amistad con Franz Liszt y Vincenzo Bellini.
A él pertenecen los más hermosas sonidos que se puedan obtener del piano, además de  la original invención de los acompañamientos que sostienen en la línea melódica, la escritura generosa de la mano izquierda es un milagro.

La estatua original fue robada por los nazis y nunca apareció. Esta es una reconstrucción hecha, basándose en la documentación y fotos de la original.

Chopin es el mas famoso compositor de Polonia y uno de los pianistas más importantes del mundo.

 

Chopin Monument in Warsaw


En memoria de Chopin, se celebra en Varsovia un concurso de piano cada cinco años.

 

Interior de la Real Cartuja de Valldemosa

Sometido siempre a una salud frágil, buscó alivio en el clima de Mallorca, donde residió en Valldemossa durante el invierno de 1838 a 1839, exactamente desde el 8 de noviembre hasta el 13 de febrero.

La Cartuja de Valldemossa acogió a Federico Chopin y a  su amante George  Sand, pseudónimo de Armandine Aurore Lucile Dupín, baronesa Dudevant y novelista francesa, donde pasaron su renombrado "Invierno en Mallorca". A pesar de que la pareja no quedó muy contenta del trato de los mallorquines, y de ello dejó constancia Sand con su libro, Valldemossa se ha convertido en un lugar de peregrinación para miles de turistas que visitan La Cartuja donde Chopin vivió por unos meses.

Partituras expuestas en el museo de Chopin

La celda que habitó se puede visitar, así como el piano que se dejó en su retorno a Francia, y varias partituras originales.

Piano de Chopin expuesto en La Real Cartuja de Valldemossa


En este escenario descrito por la escritora como “uno de esos paisajes que nos atrapan porque no nos deja desear ni imaginar nada más...”, es donde Chopin asienta su propósito de curarse, gravemente aquejado de tuberculosis, enfermedad que arrastraría hasta su muerte.
El antiguo claustro de la Cartuja es en la actualidad un cuidado jardín, con un extraordinario paisaje que da acceso a las celdas.

Jardín que da acceso a las celdas

Los números 2, 3 y 4 son los que tuvieron el honor de albergar a la pareja Sand-Chopin.

Durante la década que duró su romántica relación, el genial artista gozó de uno de sus períodos más fecundos, publicando la mayoría de sus obras simultáneamente en París, Londres y Leipzig. Aunque seis años antes ya había maravillado con su faceta didáctica, representada en su Sonata para cello y piano, Trío para violín, cello y piano,  canciones para soprano y piano, estudios, baladas, preludios, nocturnos, fantasías, scherzos, valses, impromptus, polonesas, escocesas, bourrees, y mazurcas.



Retrato de Chopin en la pared de su celda monacal

También compuso una Mazurca en mi menor, de las cincuenta y una a las que daría forma. Y muchas otras piezas menores tan bellas como estremecedoras, no en vano, tanto a Chopin como a su acompañante, el lugar les pareció bastante tétrico a causa de los valldemosinos, antipatía que la escritora hizo patente en su famoso libro “Un hiver à Majorque” (“Un invierno en Mallorca”) (1841).

Vista del torreón del siglo XIII, “possessió” del Archiduque, y propiedad en la actualidad del actor Michael Douglas

Es fácil visualizar todo si pensamos que quizás fueran ideadas bajo una alfombra de almendros de Valldemossa, no muy lejanas montañas, quizás nevada ese invierno y el mirador de la casa del Archiduque Luís Salvador de Austria como faro insuperable del litoral escarpado.
Pero Chopin añoraba el mundo parisién, y su débil estado de salud y su personalidad asustadiza le hicieron sentir entre aquellas paredes del convento un miedo tan espeso como la niebla de un día de invierno. Por ello, tras esa estación embarcó para Francia junto con George Sand y un buen número de nuevas composiciones, para morir en París diez años después.

Foto de George Sand expuesta en el museo de Valldemosa

Anualmente se celebra el Festival de Chopin que difunde la riqueza cultural del pueblo de Valldemossa, y su famosa Real Cartuja. En ella vivió Chopin y su amante aquella época tan difícil y creativa para el genio polaco.

Busto de Chopin en el museo de la Real Cartuja de Valldemossa

El certificado de defunción del célebre artista (1810-1849) indica que Chopin falleció en París a causa de la tuberculosis, aunque el profesor Wojciech Cichy, miembro de la facultad de Medicina de la Universidad de Poznan (al este de Polonia), asegura que la realidad fue bien distinta. Según un estudio público realizado en Polonia se demuestra que el compositor polaco Frédéric Chopin no murió en 1849 aquejado de una grave tuberculosis, como se creía hasta ahora, sino debido a una fibrosis quística.
El profesor Cichy se basa en la presencia de nódulos en el corazón de Chopin, que se recoge en la autopsia practicada tras su muerte y evidencia que el compositor sufrió una enfermedad genética que afectaba especialmente a los pulmones, aunque no guarda relación alguna con la tuberculosis.
La fibrosis quística y sus ramificaciones genéticas no fueron descubiertas hasta 1932, 83 años después de la muerte del genial compositor.
Este mal es causado por un gen defectuoso que le indica al cuerpo que produzca un fluido anormalmente espeso y pegajoso, una mucosidad, que se acumula en los pulmones y en el páncreas, lo que ocasiona infecciones pulmonares muy graves y graves problemas digestivos.

Última foto conocida de Chopin, tres meses antes de fallecer. Murió en Paris, el 17 de octubre de 1849, a los 39 años de edad.
La música de Chopin pertenece a la época romántica de la música clásica. Compuso casi exclusivamente música para piano, en lo que fue muy prolífico. De sus dos conciertos para piano y orquesta, sobre todo el segundo, es considerado una obra maestra.

María Victoria Sala

 
 

 
 
 
 
 
 
 
 
 
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