ASOCIACIÓN PRO MÚSICA

AMADEO L. SALA

DOCUMENTALES

Piotr Ilich Tchaikovsky

 

Votkinsk, Rusia, 1840 - San Petersburgo, 1893

Piotr Ilich Chaikovski nació en Votkinsk, un pequeño pueblo en Udmurtia, que anteriormente había formado parte de la provincia de Vyatka, del Imperio ruso.

Piotr a la izquierda de la foto, con su madre Alejandra, padre y hermanos

En 1843, los padres de Chaikovski contrataron los servicios de una institutriz francesa llamada Fanny Dürbach.

Fanny Dürbach

La pasión y afecto que la institutriz tenia con los niños contrarrestaban con la actitud de Alexandra, descrita por un biógrafo como una madre fría, infeliz y distante, demostrando poco afecto maternal con sus hijos.
Chaikovski empezó las lecciones de piano a los cinco años. Fue un alumno precoz, ya que en solo tres años fue capaz de leer música tan bien como su profesor. Sin embargo, la pasión de sus padres sobre su talento musical pronto se enfrió. En 1850, la familia decidió enviarlo a la Escuela Imperial de Jurisprudencia de San Petersburgo. Esta institución atendía principalmente a la pequeña nobleza y prepararía a Chaikovski como funcionario.

En su adolescencia

El 25 de junio de 1854, Chaikovski se vio profundamente afectado por la muerte de su madre Alexandra, a causa del cólera. Fue tan grande su impresión que se sintió incapaz de darle la noticia a Fanny Dürbach, hasta transcurridos dos años. Sin embargo, unos meses después de la muerte de su madre, realizó el primer intento serio de composición, un vals en su memoria. Varios autores afirman que la pérdida de su madre contribuyó a su sexualidad, y le motivó en las supuestamente extendidas prácticas homosexuales entre estudiantes de la Escuela Imperial de Jurisprudencia. []
En contra de los deseos de su familia decidió seguir una carrera musical y en 1862 accedió al Conservatorio de San Petersburgo, graduándose en 1865.

Concierto nº 1 para piano

Mientras desarrollaba su estilo, Chaikovski escribió música en varios géneros y formas, incluyendo la sinfonía, ópera, ballet, música instrumental, de cámara y la canción. A pesar de contar con varios éxitos, nunca tuvo mucha seguridad en sí mismo y su vida estuvo salpicada por las crisis personales y periodos de depresión. Como factores que contribuyeron a esto, pueden mencionarse una homosexualidad reprimida y el miedo a que se revelara su condición homosexual.


Una de sus partituras

Hay muchas dudas que plantean la conformidad que tenía Chaikovski en su propia naturaleza sexual. También han sido publicadas secciones importantes de la autobiografía de su hermano Modest, en las cuales trata la orientación sexual de su hermano. Algunas cartas fueron suprimidas por los censores soviéticos, en las cuales Chaikovski habla abiertamente sobre su homosexualidad, siendo mas tarde publicadas en inglés.

Tres imágenes de Tchaikovsky

El musicólogo e historiador Roland John Wiley sugiere que a pesar de que Chaikovski no sufría «ningún sentimiento insoportable de culpabilidad» sobre su homosexualidad, permaneció siempre temeroso de las consecuencias negativas si salía a la luz, especialmente por su familia. Buscó la compañía de homosexuales en su círculo durante largos periodos, «asociándose abiertamente y estableciendo conexiones profesionales con ellos».

En abril de 1877, el alumno favorito de Chaikovski, Vladimir Shilovski, se casó de repente. La boda de Shilovski pudo llevarle a plantearse dar el mismo paso. Declaró su intención de casarse en una carta a su hermano. Su decisión al intentar llevar una doble vida fue propiciado por varios factores: la posibilidad de que se revelara su homosexualidad, la voluntad de agradar a su padre, su propio deseo de una casa permanente y su amor por los niños y la familia.  Para el desdichado matrimonio, Chaikovski eligió a una de sus antiguas estudiantes de composición, Antonina Miliukova. Su corta vida matrimonial le llevó a una crisis emocional, seguida de una estancia en Clarens (Suiza) para descansar y recuperarse. Permanecieron casados legalmente pero nunca volvieron a vivir juntos ni tuvieron ningún hijo, aunque ella más tarde tendría tres hijos con otro hombre


Tchaikovski con su esposa Antonina Miliukova

La debacle marital de Chaikovski pudo haberle obligado a enfrentarse a la realidad en lo referente a su sexualidad Aparentemente nunca más consideró el matrimonio como camuflaje o vía de escape, ni se consideró capaz de amar a una mujer de la misma forma que a un hombre. Le escribió una carta a su hermano Anatoli desde Florencia (Italia), el 19 de febrero de 1878, dice así:

Con su hermano Anatoli

“Gracias a la rutina de mi vida ahora, a la algunas veces tediosa pero siempre inviolable tranquilidad, y por encima de todo, al tiempo que cura todas las heridas, me he recuperado totalmente de mi locura. No hay ninguna duda de que durante algunos meses he estado un poco loco, y sólo ahora, al estar completamente recuperado, he aprendido a relacionar objetivamente con todo lo que hice durante mi breve periodo de locura. El hombre que en mayo se le ocurrió casarse con Antonina Ivanova, quien durante junio escribió una ópera entera como si nada hubiera pasado, quien en septiembre huyó de su mujer, quien en noviembre se embarcó destino a Roma y otras cosas por el estilo; ese hombre no era yo, sino otro Piotr Ilich”.

Nadezhda von Meck, famosa patrocinadora y amiga de Tchaikovsky. Fotografía del Museo Tchaikovsky, en Klin

Unos días más tarde, en otras cartas dirigidas a Anatoli, añadió que no había “nada más doloroso que su desastroso matrimonio y el repentino colapso de la única relación duradera que mantuvo en su vida adulta: su asociación de 13 años con Nadezhda von Meck”,  viuda de un magnate de los ferrocarriles, y su mecenas y confidente

Estatua de Piotr en el parque Tauride de San Petersburgo

En medio de esta agitada vida personal, la reputación de Chaikovski aumentó; recibió honores por parte del Zar, obtuvo una pensión vitalicia y fue alabado en las salas de conciertos de todo el mundo.

Museo Tckaikovsky, en San Petersburgo

Su repentina muerte en 1893 a la edad de 53 años, que se atribuyó al cólera, causó una enorme consternación, aunque sus amigos músicos tuvieron siempre la sospecha de que había sido un suicidio.[

Tumba de Piotr Ilich Tchaikovsky en el Monasterio de Alejandro Nevski

Adrián López Sala
 

EL MINUETO

El Minueto es una antigua danza renacentista y barroca de origen francés, con ritmo ternario de tres por cuatro (3/4), que se utilizó en las primeras suites instrumentales de época barroca y en las sinfonías, en los cuartetos de cuerda y en las sonatas de clásicos, en concreto los terceros movimientos. Haydn y Mozart aplicaron con frecuencia un minué en los tipos de composición citados.

La danza

El minueto, también llamado minué, es una danza tradicional de la música barroca originaria de la región francesa de Poitou, que alcanzó su desarrollo entre 1670 y 1750. Fue introducida con el nombre de minuet en la corte francesa por Jean-Baptiste Lully (1673) que la incluyó en sus óperas y, a partir de ese momento, formó parte de óperas y ballets.

Tiempo de baile

Minuetto, minuet o minué es un término que sólo aparece en partituras musicales, es posible que se refiera a los ‘pasos diminutos’ (pas menús) con que se baila esta danza. En el período en que se volvió más de moda, era una danza lenta, ceremoniosa y grácil.

Danza renacentista

El minueto había que bailarlo con una rosa roja en la boca y las mujeres tenían que llevar obligatoriamente tacones. La literatura coreográfica contiene muchos escritos relativos a esta danza de sociedad por excelencia, que se convirtió en la reina de las danzas tanto en palacio como en el escenario. La primera vez que se habla del minueto data de 1664 fechado por Guillaume Dumanoir en su polémico Tratado contra los maestros de danza de la Academia real de Danza.

Música y danza

Entre las obras más significativas del siglo XVIII se encuentra Le maître à danser (París, 1725) del coreógrafo francés Pierre Rameau (1674-1748) que fue, sin duda alguna, la obra mejor y la más completa que se dedicó a esta danza.
Los pasos del minueto
El minueto se toca en compás de ¾ (tres por cuatro). Un paso de minueto comprende dos tiempos y los cuatro apoyos se reparten entre los seis tiempos de manera variable, según el menuet de Rameau se baila…:

Menuet de Rameau

1 2: demi-coupé con el pie derecho.
3 4: demi-coupé con el pie izquierdo.
5: pas élevé con el pie derecho.
6: pas élevé con el pie izquierdo.

Otros autores prefieren la repartición siguiente:

Menuet d´Exaudet

1 2 3: demi-coupé con el pie derecho.
4: demi-coupé con el pie izquierdo.
5: pas élevé con el pie derecho.
6: pas élevé con el pie izquierdo.
Los tiempos 4 a 6 forman entonces un pas de bourrée

Figure Z du Menuet

Otros autores proponen el ritmo siguiente:

1 2: demi-coupé con el pie derecho.
3: demi-coupé con el pie izquierdo.
4 5: pas élevé con el pie derecho.
6: pas élevé con el pie izquierdo.

El minueto, el  Septeto o Septimino Op. 20 de Beethoven es una obra de juventud. Está escrito para violín, viola, violonchelo, contrabajo, clarinete, trompa y fagot. El nombre, septeto, se debe a estar escrito para siete instrumentos.
Fue dedicado a la Emperatriz María Teresa y publicado en 1802 . Desde un primer momento obtuvo una acogida muy favorable, contribuyendo al prestigio del joven alemán en Viena.

Llegó a tocarse tanto que Beethoven pensó en sustituir algún instrumento de viento por otro violín, otra viola y otro violonchelo. El minueto alcanzó una fama extraordinaria, hasta el punto de que Beethoven lo incluyó en la Sonata Op. 49 núm. 2 para piano.

Después de un período de relegación, el minueto volvió a ponerse de moda en los años 1880. Pese a la aceptación que tuvo entre la sociedad, y la imaginación puesta por los profesores de danza, no sobrevivió más que unos quince años, aunque se practicó hasta la llegada de la Primera Guerra Mundial.

María Victoria Sala

THE BEATLES

 

The Quarrymen

The Beatles fue una banda inglesa de rock que se formó en Liverpool en 1960..


A los dieciséis años de edad, el cantante y guitarrista John Lennon, influenciado fuertemente por la música de Elvis Presley, creó en marzo de 1957 el grupo de estilo skiffle  The Quarrymen,  junto con algunos compañeros del colegio.


Poco tiempo después, en julio del mismo año, Paul McCartney, que por entonces tenía quince años, conoció a Lennon y se unió como guitarrista. Este último invitó a su amigo George Harrison, en febrero del año siguiente, el cual, con catorce años, se unió como el guitarrista líder de la formación.


Con una formación inicial de cinco elementos que incluía a Lennon, McCartney, Harrison, Stuart Sutcliffe  (bajo) y Pete Best (batería), hicieron una buena reputación en los clubs de Liverpool y Hamburgo en un período de tres años a partir de 1960. Sutcliffe abandonó la formación en 1961, y Best fue reemplazado por Starr al año siguiente.


The Beatles

En 1960 el grupo sugirió cambiar el nombre de la banda a «The Beatles» (escarabajos) como homenaje a Buddy Holly y The Crickets («Los grillos») después de probar otros nombres como «Johnny and the Moondogs», «Long John and The Beetles» y «The Silver Beatles».

Desde 1962 estuvo integrada por John Lennon (guitarra rítmica, vocalista), Paul McCartney (bajo, vocalista), George Harrison (guitarra, vocalista) y Ringo Starr (batería, vocalista)



Los cuatro beatles en el aeropuerto


Beatles en concierto


 Aunque en sus inicios tocaban el skiffle y rock and roll de los años cincuenta, a lo largo de su carrera trabajaron con distintos géneros musicales, interpretando desde el folk rock hasta el rock psicodélico.


En un acto de promoción de discos

Llegaron a ser percibidos como la encarnación de los ideales progresistas, extendiendo su influencia en las revoluciones sociales y culturales de la década de 1960.

Una excelente caricatura

Tuvieron su primera sesión de grabación en Londres, bajo la dirección de George Martin, en los EMI Studios  en junio de 1962.

 

Concluyeron su última temporada de Hamburgo en diciembre de 1962. En ese momento acordaron que los cuatro contribuirían como vocalistas, aunque el rango restringido de Starr hizo que rara vez fuese el líder vocal.

 

Las cuatro firmas

Lennon y McCartney establecieron una asociación para componer canciones; al comprobar que aumentaba el éxito del grupo, la celebrada colaboración entre ellos limitó las oportunidades de Harrison de ser vocalista principal.

Vestidos de domadores

Establecidos como grupo profesional después de que Brian Epstein les ofreciera ser su representante, y guiados por la creatividad del productor George Martin, lograron el éxito comercial en el Reino Unido a finales de 1962 con su primer sencillo, «Love Me Do».

Foto creativa

Sintiendo Epstein el potencial comercial que tenían, les alentó a que adoptasen una actitud más profesional. Lennon dijo en una entrevista: «Solíamos vestir como nos gustaba, dentro y fuera del escenario, pero Epstein nos decía que los pantalones vaqueros no eran especialmente elegantes y que deberíamos considerar la posibilidad de usar pantalones más adecuados. Nos dejó tener nuestro propio sentido de individualidad, tuvimos que elegir entre obedecerle o seguir comiendo pollo en el escenario.»

 

Portada de disco censurada

La naturaleza de su enorme popularidad internacional, que había emergido con la moda de la «Beatlemanía», se transformó al tiempo que sus composiciones   se volvieron más sofisticadas.a lo largo de los siguientes años.


Vestidos de carniceros. Foto censurada

Hicieron un extenso número de giras por todo el mundo hasta 1966, año en que cesaron la actividad en vivo para dedicarse únicamente a la grabación en el estudio, hasta su disolución en 1970.

Una de la últimas portadas de disco

 Después, todos sus integrantes se embarcarían en exitosas carreras independientes.

Lennon sería asesinado a las afueras de su casa de Nueva York, en 1980

Harrison fallecería de cáncer en 2001.

McCartney y Starr aún permanecen activos.

Décadas después de su separación, la música que crearon continúa siendo escuchada y seguida por millones de fans y admiradores.


Se mantienen como el grupo con más números uno en las listas británicas, situando más álbumes en esta posición que cualquier otra agrupación musical.


Fueron galardonados con siete premios Grammy, recibieron quince premios Ivor Novello de la Academia Británica de Compositores y Autores, y otros muchos mas.

Portada de uno de sus discos

En 2004, la revista Rolling Stone los clasificó con el número uno en su lista de los «50 artistas más grandes de todos los tiempos».

 De acuerdo con la misma publicación, la música innovadora de The Beatles y su impacto cultural ayudaron a definir los años sesenta.

Curiosidades de los Beatles

El estilo de corte de pelo Beatle fue creado por una amiga del grupo llamada Astrid Kirscher, una fotógrafa alemana.

 

George Harrison con 14 años

Cuando Los Beatles fueron por primera vez a Hamburgo, George Harrison fue deportado por no tener mayoría de edad para viajar a Alemania.

Lo que más impresionó a John Lennon acerca de Paul McCartney cuando se conocieron en 1956 fue que éste sabía afinar la guitarra.

En la última actuación de Los Beatles, la que tuvo lugar en la azotea de Apple, Lennon olvidó un verso de "Don´t let me down", pero rápidamente lo sustituyó por una serie de sílabas sin sentido, saliendo airosamente del apuro.

Los Beatles posan con sus condecoraciones

Los Beatles confesaron que habían fumado marihuana antes de presentarse ante la reina Isabel II a recibir sus medallas del Imperio Británico en 1966.


Son reconocidos mundialmente como la mejor y mas aclamada banda de rock en la historia de la música popular.


Paul MacCartney,  y la Reina

María Victoria Sala

LUDWIG VAN BEETHOVEN, UN GENIO, UN DIOS, UN HOMBRE

Ludwig Van Beethoven(1770-1827), fué uno de los músicos y compositores mas importantes de Alemania, y del mundo. Estudió en una escuela excesivamente rígida, realizando la inicial formación musical junto a su padre, que era tenor de la corte.

Johann Van Beethoven y Mª Magdalena Keverich, padres de Beethoven

Certificado de Bautismo

 

Retrato de Beethoven a los 13 años

A los 12 años comenzó a estudiar con el organista Christian Gottlob Neefe, admirando al público vienés con sus composiciones sinfónicas, su armonía e  instrumentación, así como por su carácter innovador y su romanticismo.

Casa natal de Beethoven

 

Ludwig van Beethoven

El romance que tuvo con Giulietta Giucciardi, una condesa de dieciséis años, alumna de Beethoven, hizo que le dedicara la inmortal sonata "Claro de Luna".

Cornetas acústicas para su sordera

A los veinticinco años Beethoven empieza a padecer de sordera. Escribió en su diario “¡Valor! A pesar de todas las flaquezas del cuerpo, mi genio triunfará... ¡Veinticinco años!. Los tengo ya, y es necesario que en este año el hombre se revele todo entero”.

Su carácter se volvió desabrido e irascible

Desaliñado y extraño, Beethoven solía ir por la calle con ropas viejas, con los pelos desordenados, gritando las melodías que se le ocurrían a plena voz (el no podía oírse) y anotándolas en un cuaderno. Por no hablar de sus monumentales e históricos ataques de ira, y lo llegaban a comparar con un "animal salvaje", ya que incluso en ocasiones llegaba a destrozar las habitaciones donde se alojaba.

 

Una de sus partituras hechas en su formación

En cierta ocasión, Ludwig Van Beethoven fue invitado a una fiesta donde se encontraban unos niños, llamándole mucho la atención una hermosa niña llamada Elisa. Al saber quien era el maestro se le acercó y comentó que también ella era artista, pues ya tocaba algunas piezas al piano. Este comentario hizo mucha gracia a Beethoven, y antes de retirarse, le pidió que tocase algo al piano. La niña con toda alegría interpretó obras de varios compositores, pero cuando Beethoven le solicitó que tocase alguna de sus sonatas, ella con toda la pena explicó que le gustaban mucho, pero que eran muy difíciles, por lo que el maestro le prometió que haría una pieza mucho mas sencilla para que fuese tocada por ella al piano. Ese fué el motivo por el que compuso una de las obras más conocidas e interpretadas por los jóvenes pianistas de todo el mundo, la  tituló “Para Elisa“ y agregó el subtítulo “Recuerdos del 27 de abril de 1808”.

Caricatura de Beethoven

Beethoven pasó varios años obsesionado con una cancioncilla que no paraba de tararear, era el Himno a la Alegría, y en numerosas composiciones la incluía pero sin definir del todo. Lo más llamativo de esto es que hay una pieza anterior a él, de Mozart, que es casi igual que esta melodía, cantada por un coro. Se desconoce si Beethoven la conocía o fué casualidad, el caso es que el sueño de Beethoven se cumplió al ver esta melodía integrada en la culminación de su 9º sinfonía

Beethoven por Andy Warhol

No pudo nunca escuchar la 9ª sinfonía. En el estreno de esta gran obra Beethoven estaba completamente sordo. De hecho, se dice que al terminar el concierto él pensó que los músicos habían dejado de tocar por algún motivo, y se dio la vuelta y vio a toda la sala de pié aplaudiendo: El concierto había finalizado.

Naturaleza y vida

Amaba la naturaleza hasta el punto de decir "Prefiero mil veces a los árboles que a cualquier persona". Su pasión por la naturaleza se ve traducida en la Sexta sinfonía, "La Pastoral", donde el compositor es capaz de traducir la imagen de la naturaleza a los sonidos orquestales.

Un genio, un Diós, un hombre

El gran amor de su vida fué Antoine von Birkenstock, casada con Franz Brentano. Antoine ha pasado a la historia como la inmortal “bienamada”, como es llamada en sus tres misteriosas cartas, pero otros historiadores creen que podrían ser tres mujeres, Giulietta Guicciardi, y sus primas, las hermanas Josephine y Therese de Brunswick. De las tres estuvo enamorado sucesivamente Beethoven, aunque se discute si ese amor se quedó o no en lo “puramente platónico”, debido a que el estatus social de un músico no era en aquella época tan elevado como para aspirar a la mano de una aristócrata.

Un facsímil del Testamento de Heiligenstadt.

La vida personal de Beethoven fue problemática debido a su creciente sordera que le llevó a plantearse el suicidio, según afirmó en los documentos encontrados en el Testamento de Heiligenstadt

Beethoven pintado por Franz Von Stuck

 La intoxicación con plomo comenzó 111 días antes de la fecha de su fallecimiento en Viena, el 26 de marzo de 1827.

La cirrosis fue favorecida por el consumo de alcohol de Beethoven, pero  se descartó que el músico “bebiera de forma excesiva”. Al parecer, el mal se debió principalmente a que su hígado había quedado debilitado por una hepatitis A.

Última firma de Beethoven

Se enamoró de Teresa Malfatti, con la que pensaba contraer matrimonio, como lo prueba una carta fechada el 2 de mayo de 1810 en la que solicita al Dr. Wegeler documentos personales para ese fin.

Realizó la petición al padre de Teresa a través de su amigo Gleichenstein y recibió como contestación la siguiente observación de un tío de la propia interesada,“Beethoven es un hombre muy torpe de entendimiento, aunque puede ser el más grande de los genios”.

Tarjeta de invitación al funeral de Beethoven

Se estima que entre 10.000 y 30.000 personas fueron las que asistieron a sus exequias, en las que numerosos amigos músicos y aristócratas hicieron acto de presencia.

  

Tumba de Beethoven en el cementerio de Währing, en Viena, ahora Schubert Park.

Franz Schubert, muy tímido y un gran admirador del compositor (que nunca se animó a acercársele) fue uno de los que cargaron con el ataud, con otros músicos. Schubert murió el año siguiente y pidió ser enterrado al lado de Beethoven.

María Victoria Sala

VILLANCICOS Y SUS HISTORIAS
27-11-10

Los villancicos nos hablan de las raíces cristianas del viejo continente que nos relatan la historia de muchas de estas composiciones, algunas originales y otras adaptadas de canciones antiguas por músicos de renombre universal que, a lo largo de la Navidad, interpretan con el mismo entusiasmo, un grupo de niños de un pueblo inglés, el mejor coro austriaco, el trío de tenores universalmente conocido o un conjunto de gitanillos andaluces con sus panderetas y zambombas alrededor de abetos y belenes.

 

Cuentan, por ejemplo, que una de las canciones europeas de Navidad más antiguas que conocemos, In dulci jubilo, fue dictada, en ALEMANIA, por un ángel, dice la leyenda,  al monje dominicano Heinrich Suso, en el siglo XIV. Se la considera como el segundo mejor villancico de la historia. Sabemos también que la costumbre de adornar la casa con un abeto, iniciada en el siglo XIV, dio origen  al famoso O Tannenbaum, villancico popular que lleva el nombre de este árbol y que, con el tiempo, se convirtió en una música imprescindible en la noche de Navidad de muchos países de Europa. 

En FRANCIA, los villancicos tienen su origen en los dramas litúrgicos medievales del ciclo de Navidad y en las representaciones de los misterios iniciadas en el siglo XV. A partir de esta fecha, existe un repertorio amplio de textos para estas canciones, escritos por conocidos poetas parisinos y provenzales, que se apoyaban en melodías populares. En el siglo XVIII, los mejores músicos interpretaron o compusieron estas canciones, que se recogen como algo extraordinario, en los anales de las celebraciones de la Catedral de Nôtre Dame de Paris, donde un famoso organista, Louis Claude Daquin, interpretó la mejor selección de villancicos en los oficios religiosos de la Nochebuena. En el siglo XIX, Cesar Franch, Georges Bizet y Berlioz,  aportaron su talento musical a la tradición de la Navidad. Y, en el XX, artistas de la talla de Saint-Saëns y Maurice Ravel contribuyeron a mantener la gran tradición musical navideña de honda raigambre cristiana cantando “al hombre de Dios que se ha acercado a nosotros, y el mundo se llena de esperanza……”

 

INGLATERRA no se queda atrás. Los poemas de la melodía  Joy to the World fueron escritos por Isaac Watts inspirado en el salmo 98 el año 1.719 y la música fue adaptada a la letra de Watts por Lowell Mason en 1.839. La melodía original se asocia a la obra El Mesías de Georg Friedrich Haendel. El ingenioso escritor Charles Dickens, el hombre que transmitió a medio mundo su amor a la Navidad, puso el nombre Christmas Carol, Canción de Navidad, a un cuento para grandes y chicos, en el año 1.843. El Carols Festival, se celebró por primera vez en 1.918, en elKings College de Cambridge y se incluye todos los años en la televisión inglesa.

 

En ITALIA, donde las tradiciones cristianas se remontan a los primeros siglos, es lógico que las canciones de Navidad estén firmadas por músicos de la talla de Arcangelo Corelli, Antonio Vivaldi o Francesco Manfredidni. Compositores de las escuelas, veneciana, romana y boloñesa o de la música barroca del siglo XVIII dejaron escritos varios Concerti grossi per il Natale. Uno de los más populares el Tu scendi dalle stelle, de San Alfonso Mª de Ligorio, compuesto en 1.754,  encierra un delicado espíritu religioso envuelto en la nostalgia de la música popular napolitana. 

Se piensa que el rey Joao IV de PORTUGAL escribió el más clásico de los villancicos Adeste fideles  en el siglo XVII. Se sabe que fue cantado en la embajada portuguesa en Londres en 1.797. También es atribuido a franceses, alemanes e ingleses entre otros. Los ingleses, van más lejos, consideran que John F. Wade, es el autor de la letra y la música del MEJOR DE TODOS, con música gregoriana, vocabulario exquisito en latín y el único que ha quedado incorporado a los libros litúrgicos oficiales.

 

Las tradiciones también son incalculables en ESPAÑA. Músicos y cantores,  vestidos de pastores, interpretaban junto a coro de ángeles, composiciones sencillas con motivos del Nacimiento del Niño Dios. Desde Lope de Vega a Luis de Góngora, infinidad de autores de su categoría escribieron los textos. El célebre compositor Manuel de Falla contribuyó con buena parte de la música de estos villancicos.

En una aldea para cantar la noche de Navidad

 VILLANCICO DE NOCHEBUENA

(Castellano antiguo)

 

Pues hazemos alegrías

Quando nace uno de dos

¿Quánto más naciendo Dios?

 

Grandes huespedes tenemos

Hagamos gran regocijo,

Pues pare la madre al hijo

 

Por quien todos oy nacemos

Juntos otros tales dos

El hijo y la madre de Dios.

 

CRISTÓBAL DE CASTILLEJO

(Cuidad Rodrigo- Salamanca 1.490-Viena 1.550)

 

El MÁS FAMOSO villancico del mundo Stille Nacht, Noche de Paz, procede de AUSTRIA, de un pequeño pueblo Oberndorf, a unos 25 kilómetros al Norte de Salzburgo. Sus autores fueron dos austriacos, un sacerdote y un organista.

Franz Gruber............Josef Mohr

       
Era el día 24 de diciembre del año 1.818 cuando el coadjutor de la parroquia, Josef  Mohr, entregó un poema a Franz Gruber, el organista de la parroquia y maestro de escuela en Arnsdorf, pidiéndole que compusiera una melodía para solista y coro con acompañamiento de guitarra (guitarra y no órgano porque, días antes, se había estropeado el órgano de la iglesia). El organista le devolvió el mismo día su sencilla composición, que se estrenó aquella misma Nochebuena. La primera voz la cantaron Mohr y Gruber, y el coro repetía los últimos compases en cuatro voces.

 

Mohr y Gruber, tuvieron que dejar el pueblo al año siguiente y fueron trasladados a otras parroquias y sucedió que por desgracia se perdió el primer original de la partitura. En 1.840, Noche de Paz, se publicó por primera vez en un cancionero. Después se tradujo a todas las lenguas de todos los países civilizados y a muchos dialectos de aborígenes de África y América. La primera traducción al inglés fue publicada en el año 1.861.

        

Inicio de la partitura         Capilla de Oberndorf             Altar de la iglesia

La iglesia de Oberndorf hoy ya no existe, pero en su lugar hay una capilla que es visitada por miles de personas de todo el mundo, que desean conocer el lugar donde nació el villancico más bello de Navidad.

 

No obstante, en Salzburgo siempre se la consideró como una canción tirolesa, cuya partitura se atribuye a Michael Haydn.

Villancicos, historias sencillas y ricas en músicas, que dan una magia especial a pueblos y ciudades del universo, cuando llega cada año el venturoso y anhelado tiempo de Adviento.

Araceli Martínez Pineda


LA "ROSA DE TOKIO"
11-05-10

Iva Ikoku Toguri, nació en el año 1916 en Los Ángeles, California, siendo hija de inmigrantes japoneses. En 1941, tuvo que viajar a Japón por motivos familiares, encontrándose con la declaración de guerra a los EEUU, en Diciembre de ese mismo año.

Iva hubo de permanecer en Japón, retenida, lo mismo que la mayoría de miles de ciudadanos estadounidenses de ascendencia japonesa, ya que las autoridades japonesas prohibieron cualquier salida del país.

Empezó a trabajar dando clases de piano en un colegio japonés, a la vez que ejercía de mecanógrafa en una oficina. Allí conoció a Cousens, otro retenido obligado a trabajar como locutor en Radio Tokio, por su experiencia en radiodifusión. Iva fue reclutada y obligada a trabajar en Radio Tokio, donde escribía los guiones para ser propalados a las tropas Aliadas en el Pacífico.

El gabinete de propaganda japonés indicó a Cousens, que preparara a una mujer para hacer de Disc Jockey en el programa Hora Cero, nombre elegido por el propio Cousens. Este eligió a Iva Toguri, y el programa comenzó a radiarse en marzo de 1943, cuando se llevaba a cabo la operación de invasión a Guadalcanal, llevando la locutora el apelativo de "Ana la Huérfana". Es decir, realmente en Japón no existió nunca una "Tokio Rose", sino una "Orphan Ann".

Un ejemplo de los guiones que Iva redactaba es éste, tomado de los archivos del FBI:

22 de febrero de 1944.

Orphan Ann: "Hola que tal Enemigos... Qué tal las trampas cazabobos? Aquí está Ann de Radio Tokio y nosotros estamos justamente para comenzar nuestro programa regular de música, noticias y la Hora Cero, para nuestros amigos... quiero decir, nuestros enemigos!... en Australia y el Pacífico Sur.. Así que estén en guardia, y quieran que los niños no estén escuchando!... Todo listo?... Ok, aquí está el primer ataque a su moral.. Aquí tienen a The Andrews Sisters con su música para animar a los muchachos"

Orphan Ann: "Qué tal estuvo Boogie Woogie Bugle Boy para comenzar?... Bien, ahora escúchenme hacer un delicado ataque a los huérfanos del Pacífico Sur. Sargento! Dónde diablos está ese coro de huérfanos? Ah, ahí están los muchachos. Ann está aquí!... Que tal si cantan para mí esta noche? No quieren? Está bien, malagradecidos, me entretendré yo sola y ustedes vayan a jugar con los mosquitos"

27 de Marzo de 1944

Orphan Ann: "Gracias... gracias... Saludos para todos! Esta es su pequeña compañera de juegos, quiero decir su acérrima enemiga Ann, con un programa de peligrosa y perversa propaganda para mis víctimas en Australia y el Pacífico Sur... Prepárense! Ustedes infortunadas criaturas... Aquí voy!..."

 

Orphan Ann: "Ven a qué me refiero?... Cosas peligrosas que... forman hábitos... Antes que ustedes se den cuenta dónde se encuentran, estarán cantando también... y entonces, dónde están ustedes? Atrinchérense!.. Hay una guerra afuera o no?.. Entonces nada de esa tontería de estar cantando.. Sargento! controle a esos hombres que vamos a tener más música!"

El nombre de la "Rosa de Tokio" fue acuñado por los soldados estadounidenses en el Pacífico. La verdad es que las locutoras fueron Iva y muchas otras mujeres japonesas, unas 24, la mayoría nacidas en EEUU, que hacían ese mismo trabajo representando a "Orphan Ann".  

Sin embargo, cuando Japón se rindió, se inició una cacería de brujas para capturar a la "Rosa de Tokio", y quien pagó las consecuencias fue Iva Toguri, una suerte de chivo expiatorio.

En 1977, el Presidente Gerald Ford perdonó de manera incondicional a Iva Toguri y le pidió excusas en nombre de la nación, manifestando que estaba convencido de que ella fue falsamente acusada y condenada.

La música que normalmente ponía Iva en Radio Tokio era melódica, pegadiza, nostálgica… Cantantes como Frank Sinatra, Bing Crosby, Dean Martin,.…,gente que representaba el espíritu americano, siendo las canciones de The Andrews Sisters, grupo formado por las hermanas LaVerne, Sophie Andrews (contralto, 6 de julio de 1911), Maxene Angelyn Andrews (soprano; 3 de enero de 1916) y Patricia Marie Andrews, también conocida como Patty, (mezzosoprano y cantante principal, 16 de febrero de 1918.), las preferidas por Iva a la hora de hacer su programa en Radio Tokio

María Sala

LOS CONCIERTOS DE BRANDENBURGO
10-04-10

Los Conciertos de Brandenburgo

La denominación de estos célebres conciertos no se debe a Johann Sebastián Bach, sino a un musicólogo alemán llamado Philipp Spitta, que impartía lecciones en la Hochschule für Musik de Berlín.

 

Primera página de la partitura original de los Conciertos de Brandenburgo

Spitta publicó entre 1873 y 1880, la hoy considerada primera monografía analítica de Bach, en la cual demostró que estas partituras no conformaban un ciclo unitario.

El cuaderno autógrafo de los seis conciertos, que lleva la fecha del 24 de marzo de 1721, está dedicado a Christian Ludwig, margrave de Brandenburgo e hijo menor del Gran Príncipe Elector, Johann Ludwig, que residía en el Palacio Real de Berlín.

Clave de dos teclados

Bach visitó dicha ciudad de Berlín, a principios de 1719, para encargar un clave de dos teclados al afamado constructor Michael Mietke.

Durante su estancia en Berlín fue invitado al Palacio Real por el Gran Príncipe, y tocó ante el joven margrave. Fue entonces cuando Johann Ludwig encargó a Bach unas partituras concertantes para el esparcimiento de su hijo, sobrino asimismo del rey de Prusia Federico Guillermo I.

Cuando Bach acabó los seis Conciertos los envió a Berlín, causando  cierto asombro y confusión entre los Maestros de la orquesta, por su dificultad técnica a la hora de realizarlos.

Al final, las partituras en las que Bach había puesto tanta dedicación e interés jamás fueron interpretadas en palacio, y fueron guardadas, olvidadas durante un largo periodo de tiempo en el archivo de la Biblioteca del aristócrata alemán.

 

María Sala  

LA FAMILIA DE LA CUERDA
26-03-10

 

CORDOFONOS

Los cordófonos son instrumentos en los cuales el sonido es producido por la vibración de las cuerdas.

Tipos de Cordófonos:

  • Cuerda frotada: Se tocan frotando las cuerdas con un arco.
  • Pulso y Púa: Se tocan  con los dedos, o con una púa.
  • Percutidos: Se tocan con los macillos forrados accionados mediante un teclado.

Cuerda Frotada: Estos instrumentos se tocan frotando con un arco y forman el grupo de la cuerda en la orquesta sinfónica.

Estos instrumentos son:

  • Violín.
  • Viola.
  • Violoncello.
  • Contrabajo.

Posición para tocar:

    • Cuerda pulsada o pinzada: Se toca punteando con los dedos o con un plectro o púa.
    • Con dedos: Arpa , laúd, guitarra y bandurria.
    • Con plectro: Mandolina, banjo,balalaika.
    • Cuerda Golpeada: El sonido se produce golpeando la cuerda con unos macillos, mediante un complicado sistema mecánico.
    • Con teclado: clavicordio, piano, clavecin.
    • Sin teclado: espineta.
Alicia Rodríguez  

ALEXANDER PRIOR
28-01-10

Alexander Prior, un joven londinense de 17 años, tomará la batuta de la Seattle Symphony (EEUU) como ayudante de los directores de orquesta invitados que desfilen por esta institución en los próximos seis meses.


Prior, conocido en Reino Unido por su aparición en el documental The world's greatest musical prodigies (Los mayores prodigios musicales del mundo) del canal de televisión Channel 4, aterriza en Seattle gracias a una beca que se ha creado específicamente para él, según publica hoy The Daily Telegraph.


Esta oportunidad sin precedentes en la historia de esta orquesta será el primer trabajo profesional de Prior, que se ha formado en el prestigioso conservatorio de música de San Petersburgo (Rusia), donde estudiaron músicos de la talla de Rachmaninov, Prokofiev, Shostakovich o Tchalkovsky.


"Su trabajo será un buen activo para nosotros y esperamos potenciar su desarrollo artístico", ha expresado el director de la Seattle Symphony, Leslie Jackson, quien ha reconocido estar "muy emocionado" con la incorporación de Prior a su equipo.


El "niño prodigio", que comenzó a tocar el piano con tres años y a componer con ocho, es tataranieto por parte de madre del actor y director escénico ruso Konstantin Stanislavski, creador del famoso método de interpretación que lleva su nombre.


Con doce años, Prior fue elogiado en la competición de jóvenes compositores de la BBC, justo cuando acababa de terminar su cuarto año en el conservatorio de San Petesburgo. En él le matricularon sus padres, desencantados de la escasa calidad de la formación musical en el Reino Unido.

 


Alexander Prior ha compuesto en su corta vida más de cuarenta trabajos entre los que figuran sinfonías, dos ballets, dos operas y un réquiem en honor a los niños que murieron en la masacre de la escuela de Beslan (Rusia) en 2004, a manos de terroristas chechenos.
Antes de conseguir esta beca, uno de los logros más importantes del joven músico fue estrenar en 2008 en el Kremlin su ballet Mowgli, una adaptación basada en la obra de Rudyard Kipling El libro de la selva.

Mª Esther Sala

NINO ROTA
20-01-10

Bandas Sonoras de Nino Rota

ENTRE LOS AÑOS  50-60

El Jeque blanco
Los Inútiles
Guerra y  Paz
Las Noches de Cabiria
El Momento más hermoso
A pleno Sol
Rocco y sus hermanos
La Dolce Vita

ENTRE LOS AÑOS 61-70

Venganza siciliana
Fantasmas de Roma
Ocho y medio
El gatopardo
Giulietta de los espíritus
La mujer indomable
Historias extraordinarias
Romeo y Julieta
Satyricon  

ENTRE LOS AÑOS 71-80

Roma
El Padrino
Amarcord
El padrino, segunda parte  
Caro Michele
Casanova
Muerte en el Nilo
Ensayo de orquesta

ENTRE LOS AÑOS 81-91

Laberinto de pasiones
El padrino, tercera parte
Escenas en una galería

 

Nino Rota

 

 

 

 

 

Francisco Alcatraz Roca

LA ZARZUELA
05-01-10

La zarzuela es un subgénero de la Opereta, una representación teatral desarrollada indistintamente con  partes habladas y partes musicales.

Cronistas de la época relatan, que después del estreno de La Gran Vía, al autor de la música le robaron la cartera que contenía trescientas pesetas, y una fotografía suya. Al conocerse por la prensa el robo, y enterados los ladrones, le escribieron una afectuosa carta devolviéndole la cartera con los sesenta duros, mas cinco de propina como desagravio, quedándose con la foto. Era una forma de agradecer a Chueca el que con tanta gracia los sacara a escena como, “El Rata primero”, “El Rata segundo” y “El Rata tercero”.

Era el Madrid del sainete, de la inspiración fácil y rápida sacada del pueblo y para el pueblo. Para Federico,  los títulos de músico, poeta, y escritor le estaban de mas, porque sabia que le faltaba método y disciplina, Cuando le brotaba la inspiración,  su creación era fresca, inagotable, generosa. Su prodigiosa intuición, le llevaba a utilizar todo tipo de divertidas diabluras con la gramática y jocosas picardías con el metro y la rima, preocupándole muy poco la lógica literaria que a veces escribía él mismo. Muy pocos músicos en España habían realizado en el teatro lírico tan rápida escalada hacia el éxito como el autor de La Gran Vía. La música de Chueca es la guasa hecha melodía, por eso no permite el análisis, ya que seria imposible hacer una crítica.

El sentido popular de la música de Chueca ha sido para muchos comentaristas el blanco donde se han dirigido las críticas mas duras, al tratar de analizar la obra de este singular compositor.

 


Es una de las grandes obras del género chico. El estreno de La Gran Vía tuvo lugar en el Teatro Felipe de Madrid, el 2 de Julio de 1886. Desde entonces, la “Revista madrileña cómico-lírica, fantástico callejera”, como la calificaron sus autores,  Pérez/Chueca/Valverde, fue representada en todos los teatros españoles.


Ángeles Jordania


GLENN MILLER
29-12-09

Glenn Miller empezó a destacar en 1925, cuando el batería del celebre conjunto de jazz blanco The New Orleans Rhythm Kings, Ben Pollack, formaba una gran orquesta que iba a hacerse famosa durante el final de aquella década y principios de los años 30.

 

En 1929, ingresó como miembro de la sección de trombones de la orquesta de Pollack, un joven músico que se llamaba Glenn Miller. Este adolescente iba, unos años mas tarde, a transformarse en uno de los directores de orquesta mas populares y famosos del mundo entero.

Los años 30 vieron florecer en Estados Unidos, además del jazz de estilo New Orleans y Chicago, una fantástica época llamada la era del swing, o era de las grandes orquestas. Fueron momentos legendarios en que los reyes de la música de jazz popular americana se llamaban: Benny Goodman, Tommy Dorsey y, por supuesto, Glenn Miller.

 

Glenn Miller ha pasado a la historia, pero las grabaciones originales realizadas en su orquesta, hacen revivir en nosotros la etapa mas dinámica de la música americana.

Francisco Alcatraz Roca


YO ESTUVE ALLI
24-12-09

A estas alturas todo el mundo sabe lo que supuso Ray Charles (1930 – 2004)  para el mundo de la música, y no creo que haya nadie que no haya escuchado alguna de sus canciones , Yesterday,What I’d Say, Unchain My Heart , Georgia on My Mind
La vida en los estados del sur, lo que significaba ser negro, la  segregación racial y cómo la sufrió de niño, hicieron de él un incansable luchador para salir de ese mundo y tener su sitio entre los grandes talentos musicales
 Ni las peligrosas conexiones de Ray Charles con las drogas pudieron alejarlo de lo que para él era su vida, la música.

Alfonso Marines


ANTON DVORÁK
20-12-09
Anton Dvorák es el máximo representante, junto con Smetana, del nacionalismo checo. Sin duda es el compositor del siglo XIX que universalizó la difusión de la música de su patria pero, a la vez puede considerarse el primer músico europeo que incorpora motivos norteamericanos en su obra. Ejemplo de ello es la sinfonía “Del Nuevo Mundo”, una de las obras más apreciadas ya desde su estreno, recibiendo excelentes críticas y consagrando así su éxito ante el público tanto norteamericano como europeo.
 

El propio Dvorak, en numerosas ocasiones, afirmó que en su Sinfonía nº 9 (o Del Nuevo Mundo) había procurado reproducir el espíritu de los temas musicales de los indios norteamericanos y la considera un verdadero homenaje al continente americano, aún muy lejano entonces para Europa. En la obra se suceden muchas melodías de tono apasionado y pleno de melancolía. Considero que es una de las grandes composiciones clásicas que no deberían faltar en ninguna fonoteca. Con ella, quiero dar inicio a este blog, abriendo un mundo infinito de posibilidades para el debate, la discusión y el estudio de tantas y tantas obras merecedoras de nuestra atención. Bienvenidos a nuestro blog.

Pinche en el siguiente enlace para ver una curiosa representación de la Sinfonía del Nuevo Mundo

Mª Esther Sala


     
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